sábado, 31 de octubre de 2009

Ara Tokatlian y Enrique Villegas, Inspiración (1975) (a 320 kbps)


Aquí tenemos un interesante disco grabado por Enrique "mono" Villegas, un gran pianista argentino de jazz, acompañando a algunos integrantes de la banda Arcoiris, el flautista y saxofonista egipcio Ara Tokatlian, el bajista Guillermo Bordarampé, y Danais Winnycka, mas conocida como Dana. Las composiciones son de Tokatlian, y dos de Dana, y suenan bastante parecidas a lo que hacía Jan Garbarek por esas épocas.
Dijo Ara a la revista Pelo, en el número 40, "Descubrir tu sentimiento y expresarlo. Esto surgió de mí en unas vacaciones en Necochea. Allí hay un desierto de dunas que recorrí de noche y de día. En esa soledad se escucha el sonido del silencio (que no es utópico)".
La foto de la portada es de Gustavo Santaolalla, y aparecen Ara y Dana quien además era guía espiritual de Arcoiris.
link en comentarios.

lunes, 26 de octubre de 2009

Astor Piazzolla y Gerry Mulligan, Summit (Reunión cumbre) (1974) (a 320kbps)


Cuenta Piazzolla con respecto al Octeto Buenos Aires: "en 1954, estando en París, tuve la oportunidad de ver y escuchar a muchos conjuntos de jazz moderno, entre ellos al octeto de Gerry Mulligan. Fue realmente maravilloso ver el entusiasmo que existía entre ellos mientras ejecutaban, ese goce individual en las improvisaciones, el entusiasmo de conjunto al ejecutar un acorde, en fin, algo que nunca había notado hasta ahora con los músicos de tango...Como resultado de esta experiencia nació en mi la idea de formar el Octeto De Buenos Aires. Era necesario sacar al tango de esa monotonía que lo envolvía, tanto armónica como melódica, rítmica y estética. Fue un impulso irresistible el de jerarquizarlo musicalmente y darle otra forma de lucimiento a los instrumentistas. En dos palabras, lograr que entusiasme y no canse al ejecutante ni al oyente, sin que deje de ser tango y que sea mas que nunca, música."
Luego, en el año 1974, estando en Italia, Astor y el recien mencionado Gerry Mulligan, grabaron este disco juntos, acompañados por Angel Pocho Gatti, y varios italianos, interpretando composiciones de Piazzolla, y Aire de Buenos Aires, de Muligan.
Ahora voy a contar una anécdota personal con este disco; en el año 2003, un jueves a la noche estaban pasando en la radio "cierra tus ojos y escucha", de este disco, y yo sentí muchas ganas de tener el disco; dos días despues, yo estaba caminando por una calle, y de pronto escucho que me llaman, y era un amigo que había vuelto de España, y yo no lo sabía, estaba trabajando en un quiosco, y despues de saludarme, lo primero que hizo fue mostrarme este disco.Le cedo el lugar a Manuel Martinicorena, un amigo para continuar éste relato:
_Hola Fran... Mi anécdota personal es haber escuchado en 2000, en un colectivo el único tema de Mulligan del disco "Aire de Bs. As.", fue tremendo y quedaban dos opciones o bajar cuando terminó el tema y salir corriendo o saltando hacia cualquier lugar a hacer cualquier cosa feliz o no sé, pero me puse tan nervioso que le fui a hablar al chofer, era el colectivo 12 que hace Barracas - Retiro o algo así y me puse a charlar de la radio de tango, de cocina y sorpresivamente de Beethoven; al otro día casi mendigué para comprar el disco en los Musimundos de ese entonces.
Como te he contado cuenta Natalio Gorin en su biografía sobre Astor que con todas sus músicas escritas le era imposible trabajar con un músico que no supiera leer música ("educación formal") y que se sorprendió mucho... No es para menos, Gerry tuvo siempre fama de adaptarse a la música, como si fuera en el centro exacto del aire donde van las ondas o de cada vibración. Es un músico muy querido en USA, un recuperador de las jams que a principios de los 50´s entre tanto ensayo y encierro para proyectos como células que se iban a ir imponiendo, se perdían. Pues desde joven es asiduo asistente a las jams, que bien le puede haber dado inteligentemente esa versatilidad, pero también es un joven arreglador.Comparte con Astor una situación de dejar que fluya la evolución de las músicas y por otro lado el estudio o amor por la música del pasado.
Como señala Nat Hentoff entre los veinte y los treinta se pierde un poco la tradición de improvisación colectiva de New Orleans, el jazz queda en escena dominado por los solistas con Louis Armstrong a la cabeza, y los ritmos comienzan a suavizarse. Ante eso los jovenes Bird, Monk, Dizzy, mantienen la particularidad solista o casi hacen que la banda unicamente acompañe sus invenstigaciónes del bebop ensanchando la profundidad armónica y rítmica y de improvisación melódica para el jazz.Desde 1947, con Gil Evans, George Russell, John Lewis, Miles Davis y otros tantos en las ahora famosas reuniones en casa de Evans; Gerry intenta responder y dejar fluir a esa corriente que una vez más dejará lugar a una nueva, el cool jazz. Así arregla con Gil de quien aprende mucho, con John Lewis y toca el Barítono en los Birth of the cool, que editados en Ep no tienen éxito masivo hasta 1957. Hay innovaciones en cuanto a la gama de instrumentos (otra conexión con Astor) y en sí en el tratamiento de la música.Con Angel Pocho Gatti en rodhes y piano y el estilo italiano de Astor fruto de su amor a Italia y su estancia en Milan (ver introducción de "Cierra tus ojos y escucha") donde graba también Libertango, el disco podría intuirse como un jazz-tango work.Y es más y menos que eso, las composiciones de Astor desde un punto de vista personal lo tienen en un período muy creativo, con más variantes ritmicas, atenuadas por la orquesta de cuerdas y el saxo de Mulligan ténue y sutil hilvanando líenas melódicas; más que atenuadas englobadas, y de Astor su siempre avance adentro de si mismo en la composición de las rítmicas, armonías y melodías.Gerry aporta Aire de Bs. As., y ya desde los primeros 5 acordes de a Saxo-Piano-Bandoneón-Marimba y la batería muy presente, se adivina una melodía preciosa de Mulligan y un arreglo total fantástico con solos inspiradísimos.Reunión cumbre me remite a las máquinas, a un proceso de producción fantástico, también Gerry se permite un solo jazzero.Hace Veinte Años tiene una melodía dulce, con solos y momentos de gran ternura.El disco es inspirador, tiene tango, jazz, y música etérea, la inclasificable magia.
link en coments.

domingo, 25 de octubre de 2009

Luis Alberto Spinetta, Privé (1985) (a 320 kbps)


Y despues de un disco de música industrial, el disco mas industrial de Spinetta, Privé, un disco muy fuerte de Luigi, grabado sin batería, solo con ritmos programados bastante salvajes y samplings extraños, como el de el encendido de un fósforo y un lavarropas.
Algunas canciones del disco iban a ser parte del proyecto no concretado con Charly García, como la conocida por todos, "rezo por vos"; "pobre amor, llámenlo", está dedicada al querido Carlos Alberto (García).
Muchos invitados, León Gieco, Andres Calamaro, Fito Paez, Osvaldo Fatorusso. En fin, ningun dato que no esté en la web, lo importante es escuchar.
"Como un perro" la rompe!
link en comentarios.

sábado, 24 de octubre de 2009

Cabaret Voltaire, The voice of America (1980) (320 kbps)


Cabaret Voltaire, además de ser, décadas antes, el lugar donde surgió el dadaísmo, es mi banda preferida de música industrial, esa especie de punk electrónico y chatarrero que surgió a fines de los 70's, aunque estos ya venían experimentando con sonidos desde unos años antes. En 1978 participaron del compilado A Factory Sample, junto a Joy Division. Este es el segundo l.p. de estudio de los Cabaret Voltaire, despues se pusieron un poco mas bailables.
Por momentos me recuerda a la parte electrónica de Radiohead.
link en comentarios.

jueves, 22 de octubre de 2009

Jonny Greenwood, Bodysong (2003) ( a 320 kbps)


Disco de Jonny Greenwood, guitarrista y varias cosas mas de Radiohead, en este caso haciendo la música de un documental acerca de la evolución humana, producido por un señor llamado Simon Pummel. Música instrumental, electrónica, jazz moderno, experimental.
Nótesen las influencias de Olivier Messiaen en el piano del primer tema.
link en comentarios.

miércoles, 21 de octubre de 2009

Brian Eno, Another green world (1975) (a 320 kbps)


Pongo una entrevista a Brian Eno, para que junto al disco se ilustren mutuamente.
link en comentarios.
.
1. Instrucciones para escuchar a Eno Pensémoslo de esta forma: la mayoría de la música es como una ducha: vigorosa, activa, dinámica, llena de giros y ajustes. Eno, por otra parte, nos ofrece un baño de espuma: atemporal, apacible, sereno, inmóvil. Donde la ducha estimula a través de su enérgico impacto, el baño de Eno (des)enfoca los detalles del sonido sugiriéndonos un estado de inmersión contemplativa.
Cambiando la manera en que la gente escucha, Eno desafió a los músicos a reconsiderar la manera en que componen. Las técnicas del sampling que actualmente constituyen el punto de partida básico de la experimentación sonora, por ejemplo, le deben mucho a su colaboración de 1980 con David Byrne, My Life in the Bush of Ghosts, en la cual música folk libanesa, voces grabadas de la radio y desaforados sermones evangelistas se entrechocan sobre hipnóticas bases rítmicas. E inclusive antes, en 1977, sus colaboraciones con el grupo experimental alemán Cluster (Cluster & Eno) y con David Bowie (Low, Lodger y Heroes) sentaron las bases del ambient techno y el techno-pop respectivamente.
Pero la más grande contribución de Eno es haber expuesto la belleza de las notas aisladas y la potencia expresiva del silencio. La quietud inconmensurable inducida en Discreet Music evidenció que concentrarse en la sustancia básica de la música, el sonido en sí mismo, puede producir obras musicales muchísimo más intensas que toda la pirotecnia vacía del virtuosismo.
.
2. Estrategias Oblicuas A mediados de los '70, después de abandonar su primer grupo importante, Roxy Music, la desilusión con el rock lo llevan a editar, junto con el artista Peter Schmidt las Estrategias Oblicuas (Oblique Estrategies), un set de cartas, diseñadas para introducir elementos azarosos en el proceso de creación. Empleadas frecuentemente en sus trabajos como productor de grupos de rock, Eno propone, cada vez que el proceso creativo se atasque, sacar una carta y seguir sus instrucciones. Las cartas tiene enunciados tales como "Todos cambian de instrumento", o "Apaguen los equipos y vuelvan mañana". Las estrategias oblicuas de Eno pueden considerarse como uno de los dispositivos de intervención que conforma una estrategia más amplia, tendiente a integrar elementos de indeterminación dentro del trabajo artístico.
.
3. El Sintetizador Evolutivo "Siempre critiqué a los diseñadores de sintetizadores por elegir las opciones tecnológicas más obvias, que siempre tienen que ver con un desarrollo cuantitativo y no cualitativo de los instrumentos. Cuando uno diseña los circuitos, lo más simple de hacer es agregar un par de opciones. Y lo más complicado es intentar que estas máquinas se relacionen con las personas de maneras innovadoras.
Estuve desarrollando una idea para un instrumento que denomino 'evolutivo'. Digamos que el sintetizador te ofrece 32 sonidos cuando lo encendés. Vos los escuchás rápidamente y decís, 'Bueno, el sonido número 14 está bastante cerca de lo que quiero, y el 18 también'. Entonces apretás los botones correspondientes a estos dos sonidos, y el sintetizador genera 32 mutaciones de estos dos sonidos. Entonces decís 'el número 15 está bastante bueno. Escuchemos algunas mutaciones de ese sonido'. A medida que te acercás a los sonidos que querés, podés reducir el grado de mutación. Lo interesante de esta idea es que no necesitás saber qué es lo que el sintetizador está haciendo, aunque pueda ser internamente tan complejo como puedas imaginar. En lo único que el músico tendría que concentrarse es en la habilidad de escuchar, explorar y tomar decisiones. Si trabajases así un por tiempo, tendrías una librería de sonidos que descubriste a través de este proceso. En un par se semanas tendrías un sintetizador completamente único. La producción de sonido se convertiría en un proceso más orgánico, se volvería más misteriosa. El músico resignaría la pretensión tradicional de la música electrónica: tener completo control en la programación de los sonidos."
.
4. Un sintetizador no es un teclado "El primer sintetizador que tuve, un EMS, tenía un teclado tan malo que casi nunca lo tocaba. Creo que fui una de las primeras personas en Inglaterra en usar un sintetizador como otra cosa que un instrumento de teclado. Y esta manera de generar música me llevó en direcciones bastante diferentes, ya que no estaba sujeto a los hábitos puramente musculares que se desarrollan al tocar teclados de modo convencional."
.
5. Atmósferas y paisajes "Como venía de una formación en artes visuales, no era posible para mí hacer música en la manera en que los demás la hacían. Tendía a operar los equipos probando diferentes cosas, escuchando lo que sucedía. Esa es probablemente la primera diferencia: Yo intentaba realmente escuchar cómo sonaban los resultados, no cómo se suponía que debían sonar. La mayoría de la gente esperaba que los sintetizadores reprodujesen sonidos que habían escuchado antes. Pero yo creía que el sintetizador era un instrumento fascinante que podía hacer cosas completamente nuevas. De manera similar, cuando recién empecé a grabar, el estudio era una especie de herramienta de registro de canciones pre-escritas. Pero, para mí, el estudio significaba la posibilidad de pensar a la música de manera diferente. No como algo que tenga que ejecutarse en tiempo real, sino como algo que puede ser construido, como una pintura. Me permitía pensar en situaciones, atmósferas y paisajes, más que en la linealidad de la narración. Casi todos los procesadores que hay en un estudio te permiten cambiar la sensación de localización topológica desde donde la música proviene."
.
6. Diferencia y repetición "En los '70, algunos amigos y yo solíamos compilar cintas e intercambiarlas. Lo hacíamos porque estábamos insatisfechos con la manera en que los discos estaban organizados: canción rápida, canción lenta, canción bailable, balada, ese patético concepto de la variedad, que estaba basado en la idea de que una persona sólo podía mantenerse en un particular estado de ánimo por tres minutos y medio. Mi amigo Peter Schmidt y yo confeccionábamos cintas larguísmas que tenían un clima extremadamente parecido. Cintas de dos horas, con apenas algunas leves variaciones de intensidad. Recuerdo que el hizo una para mí con los movimientos lentos de todos los cuartetos de cuerdas de Haydn."
.
7. Inclusión/exclusión "Una vez sufrí un accidente, y tuve que quedarme en cama un tiempo. Una amiga vino a visitarme, y cuando se estaba yendo le dije '¿Podrías poner un disco por mí?'. Ella lo puso, pero el equipo estaba a bajo volumen -y además, uno de los canales de mi estéreo no funcionaba y estaba lloviendo. Al principio, mientras intentaba escuchar, me sentía bastante incómodo. Pero entonces me dí cuenta que no estaba escuchando sólo la música: Escuchaba el sonido de la lluvia, y algunos fragmentos ocasionales de música a la deriva sobre el nivel de la lluvia. A partir de esa experiencia comencé a desarrollar la idea de una música que no excluya, sino que incluya los sonidos que coexisten con ella."
.
8. Modelo narrativo/Modelo onírico "La mayoría de la música tiene un fuerte sentido narrativo. Es teleológica, como dirían los historiadores del arte. En consecuencia, concibe el tiempo como seccionado en secciones. Y esto es exactamente lo que no querés si estás tratando de generar elementos oníricos. No podés ser constantemente retraído a un mundo que está completamente seccionado, dividido, delimitado. La mayoría de la música pop opera de esa forma."
.
9. Heavy metal "Lo más cercano a la música ambient es el grindcore, la forma más extrema del heavy metal. En un recital grindore todo se vuelve irrelevante excepto esta explosión de sonido. Es una experiencia fascinante ir a escuchar un buen grupo grindcore[1]. Estás experimentando el sonido en su forma más pura, en su forma más física."
.
10. El no-lugar de la indeterminación "No estoy interesado en los sonidos completamente familiares, pero tampoco en los completamente extraños. Cuando yo empecé a usar sintetizadores, esas eran las áreas donde la gente en general solía trabajar. O era algo que sonaba como un órgano o era algo que sonaba como una nave espacial. Lo que a mí me interesaba eran los sonidos que de alguna manera eran reconocibles, que pudiesen seducirte, pero que al mismo tiempo se despegasen de cualquier cosa que hubieses escuchado antes. Todavía trabajo de esa forma. Evidentemente, la ubicación de este tipo de sonidos dentro del universo sonoro posible se ha desplazado con el paso del tiempo. Algunos sonidos que antes eran extraños, ahora son muy familiares, y por lo tanto no son tan interesantes. Y cosas que antes eran muy comunes, comenzaron a sonarme interesantes, como el piano acústico, ahora que se ha convertido en una experiencia sonora exótica."
.
11. Las escuelas de arte "Cuando empecé a hacer rock, tenía un punto de vista bastante particular de lo que debía estar haciendo. Viniendo de una escuela de arte, dije 'Se supone que tengo que ser un artista. No voy a andar boludeando. Quiero pensar las cosas, producir nuevas ideas, y encontrar maneras interesantes de hacer las cosas. No quiero limitarme a hacer lo que se espera que haga.' Parte de la fuerza del rock inglés proviene de ese extraño background de escuelas de arte que sigue impulsando a que la gente que hace música piense que su trabajo es explorar nuevos territorios y que están fallando si no lo logran."
.
12. La audición mutante "Estoy aburrido de la música. Ya no escucho tanta música como antes. Me siento en mi escritorio, y a mi lado tengo trescientos o cuatrocientos Cds en un anaquel. Solamente compré seis de ellos; todos los demás me los regalaron diferentes personas. ¡Es demasiado! ¿Cómo navegar a través de todo esto? ¿Qué es lo que llama tu atención? Es por todo esto que creo que va a surgir un rol de curador. Gente que construya colecciones de música y la distribuya. Estos curadores tendrían dos funciones: serían los filtros que te salvarían de tener que escuchar todo, pero también serían conectores, podrían realizar conexiones que vos non hubieses podido pensar solo. Eventualmente, el proceso podría ser posible a través de una computadora. Uno podría decir 'Me gustan Teardrop Explodes, Velvet Underground, Abba, Silver Apples, y Sinèad O'Connor', y el curador podría contestar 'En ese caso, ¿escuchaste Elastic Pure Joy? Te podrían gustar.' De alguna manera, esto podría funcionar como el sintetizador evolutivo, te podrías encontrar navegando en áreas remotas de la música."
.
13. Make the medium fail "Yo tengo un lema: 'Hacé que el medio falle'. Con ello, quiero decir que hay que hacer música que suene como si fuese demasiado grande como para entrar en un CD. Imaginate que todos los pintores sepan que sus obras fuesen a ser expuestas solamente en hojas de papel de 21cm. x 29,7cm., impresas con tintas de colores muy similares. Esto cambiaría drásticamente la manera en que los pintores trabajan. Lo que yo siento acerca de las grabaciones últimamente es que suenan como si hubiesen sido diseñadas para encajar en un CD. Y pienso 'Qué aburrido. Lo que quiero es algo que parezca tener toda clase de partes que no terminen de encajar, así puedo intentar adivinar cuáles son.' Esto se puede escuchar mucho en las grabaciones de jazz, en especial en las que son en vivo, donde no poder terminar de identificar completamente lo que está sucediendo. Lo cual tiene el efecto de inducir a una escucha creativa, porque uno empieza a inventar cosas para llenar los vacíos. Yo quiero que eso suceda, y la improvisación es una de las formas de lograrlo. La improvisación es como si le dijese al oyente 'Esto está realmente sucediendo, y no sabemos hacia donde esta yendo'."
.
[Reorganización de la entrevista realizada por Robert Doerschuk publicada en la revista Keyboard Nro. 227, Marzo de 1995]
.
[1] por ejemplo Napalm Death, especialmente su disco Scum (earache).

lunes, 19 de octubre de 2009

Karlheinz Stockhausen, Oberlippentanz Ave Tierkreis (grabado en 1991) (a 320 kbps)


Pongo este disco con composiciones de Karlheinz Stockhausen, principalmente por Tierkreis, composición inspirada en los signos zodiacales, que en un principio fue hecha para cajas de música, y luego tuvo varias versiones con distintas instrumentaciones, y hasta una versión extendida en forma de ópera, la sideral Sirius; esta versión interpretada a trío, es para clarinete, flauta, piccolo, trompeta y piano.
En piccolo, trompeta y piano, tenemos al hijo de Karlheinz, Markus Stockhausen.
link en comentarios.

domingo, 18 de octubre de 2009

Chango Spasiuk, Pynadí (los descalzos) (2009) (a 320 kbps)


Otro que tambien toca el acordeón, el Chango Spasiuk y su mas reciente disco, Pynadí (los descalzos), una música absolutamente paisajística, y el sonido del acordeón, que me hace pensar en el fluír del río.
link en comentarios.

jueves, 15 de octubre de 2009

Hermeto Pascoal, Eu e eles (1999) (a 320 kbps)


Hermeto Pascoal, quien nos ha demostrado que cualquier objeto puede ser un instrumento musical, es uno de los músicos y compositores mas amplios y capaces de Brasil; en este blog lo hemos escuchado con el cuarteto novo, y quizás lo hayan escuchado con Miles Davis, Egberto Gismonti (otro...) , o Elis Regina. Yo tuve la suerte de verlo/escucharlo... en vivo en el año 2005.
En sus discos suele tocar varios instrumentos, pero en este disco toca absolutamente todos él: piano, trompeta, flauta, pandeiro, cavaquinho, saxos, tuba, acordeon y objetos varios, como máquinas de coser y sifones.
link en comentarios.

domingo, 11 de octubre de 2009

Edu Lobo con el Tamba Trío, A música de Edu Lobo por Edu Lobo (1964) (a 320 kbps)


El Tamba trío, mi trío preferido de Brasil, han inspirado a muchos músicos brasileños posteriores, como Sergio Mendes e Ivan Lins, han sido uno de los primeros en introducir las formas del jazz en la música popular brasileña, y han acompañado a artistas como Maysa, Leny Andrade, y en este caso, el cantante y compositor Edu Lobo, en uno de sus primeros discos, con todas canciones compuestas por el, donde podemos conocer bien su estilo.
Música brasileña de la mejor.
Link como debe ser, en los comentarios.

sábado, 3 de octubre de 2009

Charlie Parker, Charlie Parker with strings (1950) (a 320 kbps)


Charlie Parker, mayormente conocido por sus bandas de be-bop de mediados de los 40's, grabó este disco en 1949, acompañado por cuerdas, con arreglos de Jimmy Carroll y el oboe de Mitch Miller.
link en comentarios.